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Figure de la scène rap, Kohndo fait partie de ceux qu’on croise régulièrement. L’année dernière, avec deux décennies de rap dans le sac à dos, il nous confiait vouloir donner une nouvelle dimension – plus riche, plus scénique – à sa musique. Il paraissait plus que jamais animé d’une volonté de transcender le genre et de s’affranchir de ces codes restrictifs. Entouré sur scène par des musiciens – le Velvet Club – Soul inside, son troisième album solo, s’inscrit logiquement dans cette approche. Dans la continuité de ses scènes avec le Velvet Club plus que dans la lignée de son prédécesseur Deux pieds sur terre / Stick to ground.

Porté par ces musiciens et les nombreux choristes invités (Marie M, Karl the voice, Lisa Spada), il constitue un ensemble hétéroclite au titre doublement symbolique. Lorgnant parfois vers le funk (« Bordel »), le rock (« Rock on ») ou la neo-soul (« Mes nuits », « Pourquoi flipper ? »), Soul Inside peut désarçonner par instants tant il s’éloigne des formats étroits du rap français. A-t-il du coup un public ? La question reste en suspens. Avec le seul Ekoué pour donner le change niveau rap – sur « Pardonnez-moi » – Kohndo demeure le seul maître de cérémonie d’un album versatile. Un album où son sourire apaisé transparaît régulièrement, comme une évidence.

« La réussite parfois peut même blesser, elle commence là où tu crées le respect. »

Aussi éclectique et riche en influences soit-il, Soul Inside reste fondamentalement un album de rap, porté par la démonstration technique d’un flow inchangé. Fluide et mélodieux. Et ce même si on devine à Kohndo une vraie envie de pousser franchement la chansonnette – à l’image d’un Féfé devenu interprète multi-facettes. Cette diversité contribue à plusieurs franches réussites, tels les électriques « Rock on », « Money » ou la conclusion volontaire et imagée « Vise le ciel ».

« Je vois tes nuits comme du papier déchiré par les rêves brisés. »

Cette mosaïque d’influences fait écho à une certaine diversité thématique. Une diversité fidèle aux interrogations d’un trentenaire avancé, avec les femmes et l’argent en points récurrents dans le viseur. Des thèmes pour le moins classiques sauf qu’ils sont traités avec une transparence et une lucidité troublante. Jusqu’à faire écho avec nos propres illusions perdues et questionnements. Ces moments introspectifs flirtent avec des séries d’égotrips et autres récits imagés dominés par un esprit positif et volontaire. Porté vers l’avenir, KOH garde aussi un regard vers le passé, vers son parcours musical et personnel. Symbole de cet héritage, « Mon ghetto » se fait le récit des années écoulées marquées par les figures du Pont de Sèvres, Radio Nova et La Cliqua.

Il y a huit ans, à la sortie de Tout est écrit, son premier album, on souhaitait à Kohndo de rencontrer la reconnaissance populaire qu’il mérite. Aujourd’hui, ce constat demeure. Décidément, rien ne change à part les saisons.

Avec Soul Inside, son nouvel album solo, Kohndo explose les formats, les attentes et les idées préconçues. Le tout pour un grand vent de fraîcheur. Rencontre caméra au poing avec celui qui assène toujours les mots comme des coups de poing.

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Abcdr : Tu enregistres en ce moment un nouvel album non pas en solo mais avec le Velvet Club, où en êtes-vous de ce projet ?

Kohndo : L’album devrait s’appeler Soul Inside. Bon, le titre n’est pas forcément définitif. Je suis parti sur un concept, une idée, mais au final tu sais que quand tout est abouti tu peux être amené à revoir le titre. Il se peut qu’entre temps j’écrive un morceau super fort et que j’aie envie de donner à l’album un titre différent.

En tout cas aujourd’hui Soul Inside ça me semble assez bien définir le type de musique que je peux faire depuis un certain nombre d’années. La Soul c’est vraiment l’ossature prépondérante de ma musique. J’avais envie de faire un album de rap avec tout mon héritage. Et mon héritage il est principalement Soul. Je suis né avec Isaac Hayes, j’ai beaucoup écouté Curtis Mayfield, Prince.

Ce nouvel album je le prépare avec le Velvet Club. Cinq musiciens avec lesquels je travaille depuis plus de trois ans. Là, on a douze morceaux en boîte et je viens d’en finir trois supplémentaires. J’essaie vraiment de me pousser au plus loin de ce que je peux faire et sais faire aujourd’hui.

A : L’album sera-t-il entièrement joué ou il y aura une place pour le sample ?

K : Tu écoutes un album de rock aujourd’hui tu vas y trouver pas mal de programmations. Utiliser les deux ça me semble une bonne approche. L’idée étant d’avoir principalement des choses jouées mais en conservant des parties produites. Le socle est Hip-Hop mais au final il y a peu d’éléments faits avec une boite à rythme ou des bouts de samples.

A : Être entouré de musiciens sur scène, ça change sensiblement ton rapport avec le live et le public ? 

K : En fait j’ai toujours joué avec des musiciens. Quand j’ai commencé à rapper j’avais treize ans et à cette époque là dans mes meilleurs amis j’avais déjà des bassistes, des chanteurs. Même quand j’étais au sein de La Cliqua, à côté je me faisais des Jam Sessions. Donc pour moi ça n’est pas un vrai changement.
Par contre, cette démarche de travailler d’emblée avec des musiciens c’est quelque chose de différent. Et ça a beaucoup changé la donne. Ça m’a amené à écrire davantage ma musique, à ne pas chercher mon inspiration chez les autres via le sample. L’inspiration pour cet album, elle vient de mes idées et de celles de mes musiciens.

« La pierre angulaire de mon travail c’est « peace, unity, love and havin’ fun » »

A : Tu as également participé au projet Music’ All avec d’autres chanteurs et rappeurs français. Quel regard tu portes sur ce projet ?

K : A la base c’est un label qui s’appelle Black Stamp qui a sorti en novembre cet album Music’ All. On retrouve dessus des gens comme Oxmo, Busta Flex, Casey ou moi. Ce sont un peu les meilleurs musiciens de France qui viennent d’un univers plus Funk, Jazz qui rencontrent une sélection de rappeurs français qui eux ont baigné dans le Hip-Hop. C’est marrant d’ailleurs de constater que des gens comme Michel Alibo, Stéphane Le Navelan, Frank Mantegari avaient déjà travaillé dans le Hip-Hop dans un registre plus mainstream, avec le Secteur Ä notamment. Finalement, tu te rends compte qu’on cloisonne des choses qui n’ont pas lieu d’être cloisonnées.

Après, il faut savoir que l’album Black Stamp c’est un grand prétexte pour faire un show qui s’appelle Music’ All. C’est ce que tu as pu voir au Trabendo il y a quelques semaines. La suite ça va être l’Élysée Montmartre, il y aura aussi quelques dates en province. L’intérêt de cet album c’est aussi qu’il crée des passerelles et des synergies.

Grâce à ce projet, j’ai pu intégrer dans mon groupe Karl the voice, j’ai rencontré également une chanteuse qui s’appelle Nessia. On a commencé aussi un morceau avec Oxmo mais j’en dis pas plus [rires]. C’est en allant vers un projet plus Soul comme ça que j’ai vraiment eu le sentiment de vivre une certaine unité. La pierre angulaire de mon travail c’est « peace, unity, love and havin’ fun. » C’est ça pour moi le Hip-Hop, et c’est ce que je vis en ce moment grâce à Music’ All.

A : Y’a-t-il des projets en cours concrets avec La Cliqua ?

K : La dernière fois qu’on s’est vu c’était à l’Elysée Montmartre. C’était vraiment un moment magique. Depuis, Rocca est retourné vivre à Bogota. Il est sur la bande originale du film La vida loca. On s’appelle tous de temps en temps, et c’est super fort puisqu’avant on était tous séparés. Quelque chose s’est passé, humainement parlant, et c’est ce qu’on voulait. Ça a recréé des liens. Après, nous retrouver en studio, je pense que ça n’aurait pas de sens. Nos visions artistiques individuelles aujourd’hui elles sont sensiblement différentes et ce serait compliqué de faire quelque chose ensemble. En plus, honnêtement, je pense que ce ne serait pas intéressant pour le public.

A : Qu’est-ce qui, à tes yeux, a marqué l’année rap 2009 ?

K : Parmi les albums qui ont marqué cette année en rap je dirais L’Arme de paix et l’album de Fefe Jeune à la retraite que je trouve vraiment mortel. J’ai beaucoup aimé l’album à venir de Casey. En rap US, j’ai kiffé Slaughterhouse, The Undergods avec Canibus et Keith Murray. Sinon le KRS-One et Buckshot m’a surpris. En dehors du rap, des gens comme Pony Pony Run Run, l’anglaise Alice Russell ou encore le chanteur somalien K’naan qui avait fait notamment un morceau cool avec Mos Def.

A l’origine de ce projet, il y a un label : Black Stamp Music. Un label monté par deux potes de longue date – Sidney Regal et Mickael Minacca – chacun porteurs d’un héritage musical et désireux de sortir des sentiers battus. Jusqu’ici rien de révolutionnaire dans la démarche. Plutôt du grand classique. Les annonces de révolution autour du rap sont de toute façon comme les promesses : illusoires, elles n’engagent que ceux qui les croient.

L’intérêt du projet Music’ All porté par le label Black Stamp tient avant tout dans la qualité du casting. Le collectif de musiciens en premier lieu : les Illuminés Black Stamp. Dix musiciens partagés entre claviers, basse, guitare, trompette, trombone, saxophone, percussions et batterie. Une fine équipe, riche de ses influences diverses, à même de dépeindre une atmosphère plutôt feutrée de Music Hall. Porté par un élan très jazz, l’ensemble prend par moments des intonations plus reggae et soul.

Autres acteurs au moins aussi clefs : les rappeurs et chanteurs invités à poser sur les compositions des Illuminés Black Stamp. La sélection se veut éclectique en style mais également en renommée. La figure de proue Oxmo côtoie ainsi les confidentiels Marco Polo et Mihuma, les sanguins Casey et Busta Flex font face aux plus légers ex-Saïan Feniski, Sir Samuel ou Specta. Anecdote enfin, c’est Sidney qui occupe le rôle – symbolique – du maitre de cérémonie, celui d’ouvreur dans cet univers théâtral. Un univers à l’imagerie soignée et ce jusque dans le clip ultra-chiadé d’un ‘Yes we can’ au titre symbolique et pleinement inscrit dans son époque. L’équipe Kourtrajmé rappelle à cette occasion l’étendue de sa palette.

Porté par une certaine légèreté, une fraîcheur et une vraie cohérence de ton, Music’ All comporte comme toute compilation son lot d’expériences abouties et passages anecdotiques. Parmi les grandes réussites, on retient ‘Chanter’ où Busta Flex ressuscite son enthousiasme micro en main et semble retrouver un vrai second souffle associé au (plutôt bon) chanteur Karl the Voice. En un seul morceau, on retrouve sa verve à même de nous donner envie de replonger dans sa discographie. Impossible de ne pas retenir également le ‘Vais-je grandir un jour ?’ de Casey, où l’éternelle écorchée vive dévoile un aspect plus personnel de son enfance. L’écriture est toujours imparable, le style atypique : les projets s’enchainent et la fascination autour de Casey ne cesse de grandir.

Ces deux réussites sont d’autant plus marquantes qu’elles permettent de porter un regard nouveau sur deux acteurs qu’on ne voyait pas forcément dans un tel contexte. Oxmo enfin, grand seigneur, déroule. Tel un crooner en terrain conquis charmant son auditoire à chaque battement de cil, il déverse un océan d’émotions dans la lignée de ses deux derniers longs formats. ‘Quand même’ figure au même titre que le ‘Don’t let me down’ du duo Kohndo-Karl the voice parmi les très bons moments de cette expérience musicale.

Aucun doute, Music’ All n’a pas la consistance d’un album intemporel. Il s’apprécie plutôt comme un bel intermède, une expérience jouissive d’un instant. En sachant que ces instants gravés sur sillons sont amenés à prendre une toute autre dimension sur scène. Alors gardons en tête cette date du 9 Janvier prochain. L’équipe Black Stamp et ses invités seront au Trabendo et au complet pour un concert qui devrait prendre de vraies allures de Music Hall.

Abcdr : Tout est écrit était ton premier album solo. Quel bilan tires-tu aujourd’hui, avec le recul, de ce disque ?

K : Bon, c’est toujours difficile de se regarder. Mais quand j’ai fait ce premier album, j’avais vraiment une idée en tête. Et au final, entre l’idée que je pouvais avoir en tête et la réaction du public, je ne suis pas surpris. L’album a été plutôt bien accueilli. Il a fallu du temps avant que les sons que je proposais fassent leur chemin. Aujourd’hui, je suis content de me rendre compte que cet album aura été le démarrage d’une école. Oui, ça j’en suis particulièrement fier.

Après, le disque…je le réécoute pas souvent. [rires] Mais sur scène, j’ai un immense plaisir à refaire des morceaux de ce premier album.

Pour ce qui est des retombées commerciales et artistiques, cet album a pleinement répondu à mes attentes. On a été plutôt bien surpris par les chiffres de ventes, et c’est ce qui nous a permis d’enchaîner sur le deuxième. Et même s’il nous a fallu attendre pas mal de temps avant que tout s’enclenche pour lancer la suite, ces années passées ont été une forme de passerelle. Aujourd’hui j’ai hâte de voir ce que va donner le nouveau.

Je me souviens qu’à l’époque de la sortie de « Tout est écrit », la scène dite expérimentale avait le vent en poupe. On parlait de renouveau du rap en ajoutant que le Hip-Hop était mort. Aujourd’hui, on voit qu’un certain nombre de groupes sont dans la veine que ce que j’avais pu apporter sur Tout est écrit. Maintenant, le plus important pour moi c’est de veiller à toujours faire la musique que j’ai envie de faire, au moment où j’ai envie de le faire. Tout ça en faisant en sorte que chacun puisse apporter ses idées qui sont le fruit de ses expériences, de son parcours. Voilà, je veux toujours faire de la musique avec sincérité.

A : Ton nouvel album, Deux pieds sur terre, sort trois ans après le précédent. Comment as-tu occupé ton temps pendant cette période ?

K : Trois ans ça passe vraiment très vite. D’abord il y a toute la promotion autour du premier album, ensuite la défense de cet album à travers des scènes, radios et interviews. Je peux te garantir que les six premiers mois et les six autres qui suivent, tu ne manques pas d’occupation. Ensuite, j’ai commencé à réfléchir à l’album suivant au travers de quelques collaborations. Par collaboration je pense notamment à la rencontre avec Rachid Wallas, avec DJ Brasco de Toulon….

Toutes ces expériences et étapes m’ont permis d’envisager la suite et d’en commencer l’écriture.

A : Tu participes à moins de projets collectifs qu’à une époque, et tu ne fais finalement plus du tout de compilations…

K : Oui, en fait, je ne fais plus du tout de compilations pour un certain nombre de raisons. Tout d’abord je trouve qu’il y a trop peu d’échanges dans un format de compilation. Ensuite, j’estime qu’il est particulièrement difficile de se révéler via une compilation. Voilà, pour ces raisons, je préfère me concentrer sur mon travail personnel.

Tu sais, pendant ces trois ans, avec Kalash, DJ Gero, Dee Nasty, DJ Kozi et Enz on a fait pas mal de concerts…et ça a aussi occupé une bonne partie de mon temps.

A : Tu étais aussi satisfait des retours que tu as pu avoir sur scène ? La scène c’est avant tout la rencontre et le partage avec le public…

K : Oui ! [Enthousiaste] Mes derniers concerts étaient mortels, dans le sens où il y a toujours un moment où je pouvais inviter les gens à venir échanger, découvrir de nouveaux morceaux, réécouter et redécouvrir des plus anciens. J’ai un gros répertoire, du coup mes concerts ne sont jamais les mêmes. Toute cette musique prend une autre dimension jouée en live sur scène.

A : Tu me tends une super perche là. Je t’avais vu, il y a plusieurs mois, sur les planches, à la Scène Bastille, avec un groupe de musiciens assez orientés rock. Ce concert c’était un moment de plaisir, une forme d’aparté ou tu aimerais faire plus de morceaux dans ce style ?

K : Je considère que tous ces moment font partie de mon parcours de vie. J’ai parmi mes meilleurs amis des chanteurs de jazz, des bassistes, des batteurs. Ces gens là, je les ai rencontrés, j’avais quatorze ans. Aujourd’hui j’ai un groupe, le Velvet Club Live Band et avec eux, sur scène, forcément on s’éclate. Et tout ce coté rock que je peux aimer, il ressort sur scène.

A : Tu as aussi envie de sortir un album ou des morceaux dans cette teinte musicale, avec une certaine touche de rock ?

K : Avec le Velvet Club Live Band, on fait du rap acoustique, tout simplement. Maintenant quand on fait un morceau comme RER sur scène, on lui donne toute l’énergie qu’il doit avoir. Quand je fais sur scène ‘Hey Papi’ qui sur mon dernier album est un titre assez électro, il prend une autre dimension, bien plus rock, plus vénère. Après, tout dépend de mes envies et inspirations et des échanges que je peux avoir avec les différents musiciens. Rien n’est figé.

A : Et tu aimes toujours piocher dans différentes musiques…

K : ….Oui. La scène et mes disques sont le reflet de mes envies mais aussi de ce que je suis et de ce que j’ai été.

« Pour être complète, ta pensée doit être validée par le public. A mes yeux c’est essentiel. »

A : Pourquoi avoir opté pour un double titre pour ton album avec une partie en français (« Deux pieds sur terre »), et une partie en anglais (« Stick to ground ») ? Pour jouer sur le fait que tu es un rappeur français qui a grandi et continue d’être influencé par une musique américaine, donc anglophone ?

K : Non, en fait c’est très simple. Mon album sort sur la France et l’international. Une sortie américaine et canadienne est notamment prévue, et il sortira dans d’autres pays. C’est la raison pour laquelle j’ai opté pour un double titre comme ça.

Ensuite, ce vécu que tu décris à vrai dire, je l’ai toujours eu et je n’ai pas de raison de l’affirmer d’avantage sur Deux pieds sur terre que sur les albums précédents. Tu sais, je n’ai jamais privilégié le fond à la forme et inversement. En fait, je me dis que lorsque j’avais treize ans, j’aimais des rappeurs que je ne comprenais pas. Alors à partir de là, pour moi, il n’y a pas de raisons pour que les gens qui ne comprennent pas ma langue ne m’apprécient pas. Si je fais bien mon métier, ma musique doit être universelle.

A : On retrouve tout au long de ton album un paquet de références à des classiques de la musique noire américaine, du rap (Nas, Sugar Hill Gang), de la soul (Marvin Gaye). Ces clins d’oeil, récurrents tout au long de ton album, ce sont aussi les pierres semées sur la route de ton propre parcours musical ?

K : Oui, ce sont des clins d’oeil rappelant que je sais d’où je viens. J’ai un certain nombre de références que je partage avec d’autres. Ces clins d’oeil sont aussi des invitations pour se retrouver autour de ces points communs. Partager, transmettre et faire découvrir ma musique, tout ça fait aussi partie de mes objectifs de vie. Même si ces références sont bien présentes, tout n’est pas ultra-calculé, il y également une part de spontanéité dans ma musique.

Après, je pense que j’ai eu également d’avantage l’occasion de m’exprimer sur cet album. Un deuxième album c’est autre chose. On dit souvent que sortir un deuxième album c’est, quelque part, un piège. Soit tu te prends un mur soit tu t’élèves. Dans mon cas, je pense que ce deuxième album m’a permis de faire un pas en avant et de m’affirmer davantage. Quand tu prends de l’assurance, tu réussis à faire un peu plus ce qui te plaît. Réaliser un disque qui te ressemble, se révéler et grandir à travers sa musique, ça me semble quand même l’essentiel.

Je ne considère pas la musique comme une espèce de passion et je n’en fais pas par envie de copier quelque chose ou quelqu’un. Pour moi la musique c’est un principe de vie, une forme de philosophie de vie.

A : C’était aussi l’occasion de te lancer dans de nouvelles expériences ?

K : Oui, bien sûr. A vrai dire chaque disque est une nouvelle expérience. Tu ne peux pas aborder un nouvel album en te disant que tu vas reproduire ce que tu as déjà fait.

A : Débuter ton album en balançant quasi d’entrée ce n’est pas le talent qui fait vendre, tout le monde sait ça, c’est un simple égotrip ? Ou une réflexion plus profonde ?

K : Si tu vas sur mon site Internet, www.kohndo.com tu trouveras différente parties dont une avec des blogs. Dans un de ces blogs, j’explique qu’un jour une DA de BMG m’a sorti très exactement cette phrase. A ce moment là, quand je cherchais des gens pour produire mon premier album, je ne comprenais pas vraiment ce qu’elle voulait dire. Cette personne avait eu le choix entre moi et un autre rappeur. Elle a préféré choisir l’autre rappeur. Et quand je lui ai demandé pourquoi elle m’a répondu que si le talent vendait ça se saurait.

A : Oui, donc tu es un peu résigné sur le fonctionnement de l’industrie du disque….

K : …cette phrase a véritablement pris un sens ce jour-là. Il ne faut pas confondre l’art, la musique et l’industrie du disque. Ce sont deux choses clairement distinctes avec des modes de fonctionnement et de pensée différents. En tant qu’artiste, tu es dans un travail de recherche alors qu’en tant que producteur tu entretiens un rapport commercial avec le public. Les deux n’ont rien à voir mais il faut rassembler les deux vu que de toute façon, d’un point de vue strictement artistique, je pense que pour être complète, ta pensée doit être validée par le public. A mes yeux c’est essentiel.

A : J’ai l’impression que certains morceaux de ton album ont été écrits il y a quelques années, vrai ? Faux ?

K : Oui, celui qui suit ce que je peux faire à dû s’en rendre compte…[s’arrêtant]

En fait, tu peux suivre différentes méthodes pour créer. Tu peux te mettre dans une bulle pendant trois mois et pondre un album. Moi, j’aime que mes albums soient le reflet des expériences que j’ai pu traverser à un moment de ma vie. Alors j’ai utilisé ces bases de conversation et les moments passés ces dernières années pour créer mes morceaux. Quand tu fais ça, ton album vit véritablement avec toi. Voilà, cette approche, c’est ma conception d’un album et de sa création.

Concrètement, à un moment donné j’ai envie d’écrire, j’ai l’inspiration qui donne le point de départ. A partir de là, toutes les expériences qui vont suivre cette première inspiration vont être autant de matière première qui vont alimenter mon idée de base et m’aider à construire mes morceaux.

A : Donc ce dernier album rassemble tes expériences des trois-quatre dernières années ?

K : Entres autres, oui.

A : J’ai le souvenir d’avoir entendu sur scène, au moment de la sortie de Tout est écrit, quelques couplets alors inédits qu’on retrouve aujourd’hui dans ton nouvel album.

K : Oui, j’ai notamment fait plusieurs fois sur scène ‘Une journée fade’. J’adore tester mes nouveaux morceaux sur scène, ça me semble un très bon endroit pour voir si ton morceau va dans la bonne direction ou non.

A : T’entendre dire ça me rappelle justement les concerts qui ont suivi la sortie de « Tout est écrit ». Vu le ton très posé de ce premier album, réussir à transposer cette ambiance sur scène devait représenter un vrai challenge.

K : Oui et non. Si mon parcours s’arrêtait à ce premier album, je pourrais être d’accord avec cette remarque. Mais j’ai un répertoire plus important, tout ce que tu as pu retrouver sur Blind Test, avec des morceaux plus patate. Tout ça se mélange, alors sur scène tu découvres peu à peu le parcours d’un homme. Comme dans un bon resto, tu as une entrée, un plat de résistance et un dessert. Le tout prend des saveurs différentes et c’est là l’intérêt.

A : Oui, c’est vrai qu’on retrouvait toujours ce mélange d’anciens et de nouveaux morceaux dans ces concerts…

K : Bien sûr. En plus, comme je me suis toujours projeté dans une vision musicale de mes morceaux, je me retrouve pas dans le problème que peuvent rencontrer certains rappeurs qui ne peuvent plus ou ne veulent plus faire des morceaux qu’ils considèrent aujourd’hui comme trop vieux. Mes textes s’inscrivent dans le temps et sur scène j’ai autant de plaisir à faire des anciens morceaux que des nouveaux.

« Les morceaux ont un sens, comme un bon vin ils doivent être mariés avec le bon plat dans un bon environnement pour prendre une autre dimension. »

A : Sur ‘So much trouble’ tu dis « Origine polyglotte, parlant toutes les rues adaptables ». Tu sembles avoir fait le tour de la région parisienne, changeant plutôt régulièrement de coin.

K : Oui, je suis né en France, j’ai passé ma petite enfance en Afrique avant de retourner en France, à Montrouge puis Bobigny, et mon adolescence à Boulogne. J’ai passé beaucoup de temps entre Boulogne et Paris, j’ai aussi vécu à Créteil…

A : …Considères-tu que ces changements réguliers ont contribué à ton évolution en tant que personne et donc en tant que rappeur ?

K : Je pense que ces changements fréquents m’ont permis de prendre pas mal de recul sur un certain nombre de situations. J’ai connu pas mal de monde, des pauvres et des plus fortunés. De mon coté également ça n’a pas toujours été simple.

A : Tu évoques cette diversité sur le DVD qui accompagne ton album, notamment quand tu parles du Pont de Sèvres, expliquant qu’il y avait un quartier relativement aisé et un autre plus ouvrier.

K : J’estime que je suis vraiment au centre de tout ça. Je fais partie de la classe moyenne comme la plupart des rappeurs finalement. Maintenant, mon expérience de vie fait que je connais la médaille et le revers de cette même médaille.

A : Certains morceaux de ton album sont particulièrement imagés, décrivant un paquet d’éléments de la réalité urbaine à Paris et dans sa banlieue. Tu te considères plus que jamais comme une forme de chroniqueur urbain ?

K : Effectivement…et j’aime beaucoup ce terme de chroniqueur urbain. Je pense que ça me correspond bien. A mes yeux la ville est un endroit plein de vie, le lieu où différentes populations de divers horizons se croisent. J’aime les grandes villes cosmopolites où les gens marchent et discutent. Je trouve ça beau, tout simplement.

A : ‘RER’ illustre assez bien ton goût pour la ville…

K : Sur ‘RER’ je ne suis pas seulement observateur, je suis avant tout acteur et j’essaie de faire en sorte que l’auditeur soit avec moi.

A : Ce morceau, tu l’as écrit dans les transports en commun ?

K : Non, je n’écris pas dehors, j’écris uniquement chez moi. Après, je me souviens que la première fois que j’ai pensé à écrire un morceau comme ça j’étais Gare St Lazare…[NDLR : quelque part la boucle est bouclée puisque cette interview se passe juste à coté de la Gare St Lazare.]

A : J’ai été assez surpris à l’écoute du premier extrait de ton maxi, ‘Dis-moi ce qu’elles veulent’. Le morceau est plutôt calibré dancefloor, et donc aux antipodes de l’ambiance posée de ton premier album. Quand tu as décidé de sortir d’abord ce morceau c’était par choix de marquer une rupture avec ce que tu avais fait quelques années auparavant ?

K : Quand j’ai sorti Blind Test, je voulais aussi rappeler au public qu’il ne fallait pas se tromper. Moi, je ne suis pas là pour défendre des concepts. Ma vie est faite d’un ensemble d’évènements et d’époques. Tout est écrit correspondait à ce que pouvait être ma vision d’un premier album, à un moment donné. J’ai eu la chance de pouvoir faire cet LP en étant complètement en indépendant. Je n’avais rien à prouver à qui que ce soit et du coup je ne me suis vraiment pas pris la tête. De la même façon, quand j’ai fait Prélude à l’Odysée, j’annonçais clairement ce que je voulais faire.

Maintenant, je n’ai pas fait que ça. Mon histoire est riche, large et variée et j’veux pas surtout pas qu’on m’enferme, à vrai dire je déteste ça. Choisir ce morceau comme premier extrait de mon album c’était aussi un pied de nez à ceux qui voulaient justement m’enfermer dans un style.

Après, je sais relativiser et assumer mes choix. Je suis bien conscient que ce morceau, ‘Dis-moi ce qu’elles veulent’, a reçu des échos assez timides au même titre qu’après mon départ de La Cliqua et la sortie de Tout est écrit, les gens ne voulaient pas forcement m’écouter. Mais au final un certain nombre de personnes ont écouté mon album et l’ont trouvé intéressant. Je pense que si nous, musiciens et artistes, on se laissait constamment dicter notre conduite, on n’avancerait jamais et on ne créerait rien. A partir de là, je pense qu’on doit au moins nous faire confiance et laisser les oreilles du public décider… et pas autre chose. Quand tu aimes vraiment la musique, je pense c’est vraiment le seul truc qui doit compter.

Après, moi aussi je suis auditeur, je suis difficile et parfois je ne comprends pas les choix d’artistes que je peux aimer.

Pour terminer là-dessus, j’ai choisi la vie que je mène actuellement, donc je ferai toujours ce qui me plaira le plus. Toujours. Je m’éclate à faire des morceaux dancefloor. Je m’éclate aussi quand je tombe le masque, c’est autre chose mais ça me fait également du bien. J’aime le partage et les expériences. J’ai une vraie approche de musicien et à ce titre je suis anticonformiste et finalement beaucoup plus hardcore que ceux qui peuvent le clamer haut et fort.

A : En te dévoilant parfois très ouvertement tu considères que ta démarche est finalement la plus hardcore…

K : Oui, avoir la puissance et le pouvoir d’être toi-même c’est vraiment difficile. Beaucoup de gens essaient de te modeler, les directeurs artistiques mais aussi les auditeurs. Je crois que la plus grande force réside dans la capacité à rester soi-même, quitte à se mettre des gens à dos.

A : Aujourd’hui tu sembles bénéficier d’une véritable liberté artistique, j’imagine que c’est un élément essentiel pour toi. D’ailleurs, as-tu essayé de changer un peu de statut pour ce nouvel album ? As-tu démarché d’autres maisons de disques ?

K : Bien sûr. J’ai cherché à rentrer dans de grandes maisons de disques, ça m’a pris du temps et c’est aussi ce qui explique qu’il m’a fallu du temps pour sortir ce nouvel album. Trouver le bon partenaire pour réaliser ton album est une donnée essentielle.

Et à partir de là, tu es amené à rencontrer pas mal de monde et à évoluer. Comme je te disais tout à l’heure, je considère que ma musique n’a de sens que si elle est validée par le public. Sans ces retours des auditeurs, la scène, les émotions partagées avec le public, ces rencontres, je n’ai pas de vraie raison d’être. Je veux faire en sorte que ces sentiments et émotions soient diffusées à un maximum de personnes.

A : L’objectif final de ton disque semble avant tout résider dans le partage avec ton public. Ce partage il est plus évident sur scène…

K : L’un ne va pas sans l’autre, en sachant qu’un morceau n’a pas la même signification sur scène et à la maison. En gros, un morceau comme ‘Hey Papi’ a relativement peu de sens quand tu l’écoutes sur ta chaîne chez toi. Enfin sauf si t’as envie de te mettre la patate le matin. Par contre, si tu vas dans une soirée et que tu l’entends à fond ça devrait te faire un truc.

A : Un peu comme ‘Dis-moi ce qu’elles veulent’…

K : Exactement. Les morceaux ont un sens, comme un bon vin ils doivent être mariés avec le bon plat dans un bon environnement pour prendre une autre dimension. Certains morceaux ont plus de sens sur scène, d’autres en ont moins.

A : C’est aussi pour ça que tu as des morceaux plus posés, plus intimistes dans ton album….

K : Bien sûr. Après je peux faire ce type de morceau également sur scène, tout dépend vraiment de mes envies. Par exemple, j’aime faire ‘Une journée fade’ sur scène, à mon avis ça fait sens. Quand j’aurai la chance d’être un peu plus connu, si ça arrive, j’aimerais énormément faire des titres comme ‘Je serais là’ ou même ‘Amour et peine’ sur scène.

Je ne peux pas faire des morceaux comme ça, il faut que tout fasse sens. On travaille aussi pour ça, pour que chaque scène, chaque jour, chaque moment ne soit pas le même.

A : Toujours sur cette idée des concerts, comment est-ce que tu fonctionnes ? Quand tu pars pour plusieurs dates, tu sais déjà exactement ce que tu vas faire ?

K : En fait j’ai une trame sur laquelle viennent se greffer les envies du moment. Après, il y a une part d’improvisation et parfois on se permet quelques changements. Quand je me trouve sur les planches avec une formation DJ / Rappeur parfois DJ Kozi me balance des instrus et je sais pas sur quoi je vais tomber…

A : Tiens, d’ailleurs dans l’album, tu as repris cette idée là avec un passage où tu prolonges le morceau avec une partie plus freestyle…

K : Oui, c’est sur ‘Faut qu’on leur dise’, le morceau avec Enz. Et tu sais, c’est aussi pour ça que j’aimerais travailler avec plus de moyens. Certains veulent aller en maison de disques juste par principe, moi, j’aimerais avoir cette opportunité pour avoir les moyens d’être pleinement moi. Le jour où tu me passes les clefs d’un studio et que j’ai le temps de me concentrer uniquement sur mon travail d’artiste ça va être dingue. Je pourrais laisser libre cours à mes idées et mes envies. Ça me permettrait, je pense, de prendre une autre dimension.

« Cet album est aussi le fruit des rencontres et d’un certain hasard. J’ai pris des risques pour créer quelque chose de neuf. »

A : ‘Je serais là’ est à mon sens l’une des grosses réussites de cet album. Dwele est vraiment fabuleux dessus. Quel est le morceau qui te plaît le plus sur cet album ?

K : On m’a déjà posé plusieurs fois la question et c’est toujours aussi difficile d’y répondre. A vrai dire je dégage au moins cinq morceaux du lot. Le morceau avec Dwele est mortel…[pensif] Mais parmi mes morceaux préféres il y a ‘Un idéal’. Il me rappelle mon parcours de vie, les étapes par lesquelles j’ai pu passer. Avec cette même phrase qui revient toujours…on est à la recherche d’un idéal. On veut sortir de tout ça et continuer à aller de l’avant. ‘Je serais là’ c’est aussi une prière, une forme de leitmotiv qui me remet les idées en place. Ce morceau me fait aussi penser au rapport que je peux entretenir avec mon cahier, cette espèce de journal intime. [silence]
Oui, ce morceau me touche ! [rires].

A : Dans l’interview qu’on a fait il y a maintenant quatre ans, tu disais que l’écriture était une forme d’exutoire…

K : Oui, comme tous les auteurs. Ce morceau là, ‘Je serais là’, ce n’est pas un exutoire, c’est davantage une contribution. Un certain nombre de gens te disent que tout va mal mais ils ne proposent aucune solution. Ce morceau en propose une et fait un peu office de médicament à mes yeux.

A : Comment s’est présentée la possibilité de faire un morceau avec Slum Village ?

K : Une partie de mon label actuel est basée sur Detroit. Cet album est une co-production entre Ascetic et Green Stone. J’ai donc eu la possibilité de travailler à Detroit avec un ingénieur du son, Joey Powers. En travaillant sur mon album et en le finissant j’avais un certain nombre de morceaux qui étaient ouverts. Au même titre que pour un concert, j’ai toujours une trame avec quelques morceaux qui peuvent évoluer, et je me laisse toujours le dernier moment pour choisir d’apporter ou non des changements. ‘Dis-moi ce qu’elles veulent’ comme ‘Je serais là’ faisaient partie de ces morceaux susceptibles d’être revus en fonction de la vibe du moment.

Pour ‘Je serais là’, Joey écoutait des morceaux en me disant qu’il aimait vraiment bien et voulait faire écouter mes morceaux à son cousin. Son cousin est ingénieur du son pour Dwele et Slum Village. Voilà, donc il leur en a parlé, ils ont écouté les morceaux et ont accepté d’y participer.

A : Justement, puisqu’on parle de Joey Powers, ancien ingénieur du son, notamment d’Aaliyah, j’imagine que ça a du être un sacré kiffe et une belle expérience d’avoir réussi à mener ça…

K : On sait travailler plus que correctement la musique en France avec de bons ingénieurs du son. Je m’entends très bien avec mes ingés sons, mais je me suis posé une question. Je me suis demandé s’il pouvait être intéressant de rencontrer de nouvelles personnes et m’ouvrir éventuellement de nouvelles perspectives musicales. Joey m’a apporté un son qui n’existe même pas dans le rap. C’est un son très atypique, très clair et brillant. L’alliance de mes prods et sa vision a permis de concevoir quelque chose de nouveau.

Voilà, moi, c’est ça que j’aime. Comment un monde qui en rencontre un autre peut permettre d’aboutir à un troisième nouveau monde. J’ai besoin de ça…et c’est aussi pour ça que je n’aime pas les endroits trop balisés. Voilà, cet album est aussi le fruit des rencontres et d’un certain hasard. J’ai pris des risques pour créer quelque chose de neuf.

A : T’entendre évoquer ces rencontres me rappelle que sur cet album tu as fait appel à beaucoup de producteurs différents, ces collaborations font-elles partie intégrante de ces rencontres qui nourrissent ta musique ?

K : Il y a cette envie de partage mais aussi le fait que je n’ai pas encore trouvé le producteur qui soit capable et possède l’envie de créer avec moi une vision. Donc, je suis livré à ma pensée, je prends les choses en main, j’ai des rencontres et je matérialise mes envies.

A : On parlait de Dwele tout à l’heure….Sur un sujet finalement assez proche, j’imagine qu’en bon kiffeur de Soul tu as été touché par le décès de Dilla…

K : Quand j’ai appris son décès j’étais à Detroit avec mon amie de là-bas. Elle était en train de parler avec son manager qui lui a appris que Dilla venait de décéder. Ce jour là, on était en pleine visite du centre ville de Detroit, dans un pur délire, bonne caisse, bon son…Et là on a appris ça.

A : Tu l’avais vu en concert à Paris quelques mois avant son décès….

K : Oui, c’était un concert Hip-Hop Résistance d’ailleurs, big up à eux. A vrai dire, je savais pas trop si je devais y aller. Finalement j’y ai été et j’ai pris conscience qu’en tant que spectateur on a un vrai rôle. Jay Dee était là avec sa mère et ses potes. On savait tous que ces moments étaient ses derniers.

Ce jour-là, le public a rendu hommage à l’artiste, de son vivant. On peut se poser une question dure mais légitime: y a t-il une plus belle mort ? Tu parcours le monde avec la personne qui compte le plus à tes yeux, ici sa mère. Tu lui rappelles tous ces moments passés derrière les machines, où tu lui disais que ça allait marcher pour toi… Là, regarde, on est en France, à Paris, et cette ville a une vraie signification pour les Américains, et tous ces gens sont là pour ma musique.

Il a fait cette tournée dans tous les pays. C’est là que je me suis demandé s’il y avait une plus belle façon de partir. Moi, j’ai eu un rôle au même titre que tous les autres spectateurs ce jour là. Tous les morceaux qu’il mettait étaient de vraies tueries et on se cachait pas pour lui dire.

« Un certain nombre de gens m’ont mis le pied à l’étrier, qui ont passé du temps avec moi et je considère que c’est mon rôle de ne pas les oublier et de le faire savoir. »

A : Ton album est accompagné d’un DVD avec un petit reportage retraçant ton parcours. On y comprend un peu mieux ton évolution. On a également l’impression que les années passées au Pont de Sèvres ont plus ou moins déclenchées tes envies d’expression et de faire du rap ton quotidien.

K : On ne peut pas nier les rencontres que l’on fait à treize ans, surtout quand ces rencontres vous plongent dans un art. Justement, je reproche souvent aux rappeurs et musiciens français de ne pas citer leurs pairs. Ils ne revendiquent pas leur héritage et ça me semble vraiment dommage. Je me suis promis de ne jamais faire ça. Un certain nombre de gens m’ont mis le pied à l’étrier, qui ont passé du temps avec moi et je considère que c’est mon rôle de ne pas les oublier et de le faire savoir.

A : Ton héritage est composé des disques des artistes qui ont compté pour toi mais aussi les gens que tu as rencontré, je pense notamment à Zoxea dont tu parles dans ce DVD…

K : Bien entendu. Comment bâtir son avenir quand on ne connaît même pas son passé ? Quand j’étais à Detroit j’ai vu des mères qui devaient avoir quarante-cinq ans en train de chanter ‘Lodi Dodi’ avec leur fille qui devaient avoir dix-huit ans et d’écouter du Public Enemy enchaîné avec du T.I. je me suis dit qu’un truc n’allait franchement pas chez nous. Il faut créer le lien entre les générations. Je pense qu’en France on ne rend pas assez hommage aux artistes, il y a une espèce d’ingratitude. Il faut citer nos influences et donner ainsi la chance aux gamins, petits frères et potes de découvrir d’autres artistes.

Personnellement, ça me paraît aberrant de ne pas citer La Cliqua dans mes influences fortes. C’est quelque chose de trop fort dans ma vie pour le renier. J’en suis fier, comme je suis fier de Rocca, Daddy Lord C, Raphaël, Lumumba, Chimiste, Egosyst, de tous. Je me dois de les citer, peu importe ce qui s’est passé après entre nous. Ça fait partie de moi.

A : Aujourd’hui tu es encore en contact avec certain d’entre eux ?

K : Non, mais peu importe. Chacun a suivi son parcours et tu sais combien il peut être difficile de rester en contact avec des gens que tu as connu si jeune.

A : Tu es crédité comme producteur exécutif sur cet album. A mes yeux, le terme producteur exécutif est vraiment le rôle le plus fourre-tout au monde. Peux-tu nous préciser quel a été ton rôle concrètement dans la composition musicale ?

K : Producteur exécutif ça signifie avant tout des capitaux et beaucoup de temps investi. Du temps passé à rencontrer, écouter différentes personnes et bien s’entourer.
C’est un gros travail, qui normalement n’incombe pas à l’auteur. Mais voilà, c’est très intéressant, notamment humainement parlant. Pour ce qui est de l’ordre des morceaux, il faut que je le félicite, c’est Jee 2 Tuluz qui l’a déterminé.

A : Ah, notre Jee national ! [rires]

K : Ouais, on a pas mal discuté de tout ça. Moi j’avais un ordre pas très loin du sien. C’est en échangeant qu’on a pu trouver l’ordre parfait. [rires]

A : J’ai eu plusieurs fois le plaisir de voir Insight sur scène, dans des duos toujours très énergiques, avec Edan (Duplexxx) ou avec toi, au Réservoir il y a quelques années de cela, avant même ce morceau commun ‘Stick to ground’. En regardant le clip de ce morceau, on se dit que vous avez du bien kiffer faire ce morceau commun, et tous ces échanges en rafales.

K : C’était vraiment un plaisir. Déjà tu te retrouves à valider ce que tu travailles depuis des années, ton art. Tu maîtrises la forme et derrière tu peux dérouler. Ensuite, au-delà de cet aspect là, il y a le plaisir d’être avec quelqu’un avec qui tu partages le même langage. Ce langage c’est le Hip-Hop. Et avec Insight, on s’est compris.

Je suis venu le voir en lui disant que je voulais écrire un morceau qui s’appellerait ‘Deux pieds sur terre’. J’ai pensé à deux titres. « Stick to the ground » ou « Stick to ground« , en sachant que « Stick to ground » ce n’était pas la bonne forme grammaticale. Mais ça sonnait grave ! [rires] Mon idée c’était vraiment de dire que je reste collé au sol, avec ma vision, les deux pieds sur terre. Déjà, ça, c’était mortel.

Après, je lui ai proposé deux prods, en lui disant qu’on pouvait aller soit dans mon monde, soit dans le sien. Je lui ai fait écouter et là il m’a dit : « J’aime bien, mais je pense qu’on va plus s’éclater si on va dans mon univers ! [rires] »
C’est ce qu’on a fait et là c’était encore un autre travail. On avait une thématique commune, et là on était dans l’échange. Moi je voulais parler de tous les rêves qui peuvent nous animer et parfois aussi nous bouffer.

On a commencé après à structurer le morceau, à écrire nos histoires respectives et surtout à parler Hip-Hop. A expliquer comment on allait faire ça, à balancer nos flows. On a chacun halluciné. J’ai filmé les moments où pendant le clip il reparle de cet échange. On a chacun refait le flow de l’autre. Ah c’était ouf ! [rires]

A : Cette idée des deux pieds sur terre semble t’avoir particulièrement plu vu que tu l’as repris comme titre de ton album.

K : Ce titre résume très bien ma vie, avec ce coté un pied en France, un pied à l’international. Il rappelle aussi que je sais d’où je viens et que j’ai un coté underground. Je devine que ça fait réagir du monde ça ! [rires] Mais surtout, deux pieds sur terre c’est pas uniquement dans le réel. C’est en opposition à six pieds sous terre. C’est la vie. Deux pieds sur terre mais la tête dans les airs.

A : Ah décidément, tu aimes bien ce type de jeu de mot. Déjà le titre de ton premier album pouvait être interprété de façon différente…

K : Oui, j’adore ça. C’est une de mes particularités.

A : Il y a maintenant quatre ans de ça (bordel, déjà !), on s’était déjà vu pour une première interview. Tu nous avais dit que tu envisageais de rapper jusqu’à quarante ans. Tu n’as pas changé d’avis ?

K : Non, je n’ai pas changé d’avis. Mais comme je te disais, j’attends à un moment une validation du public. Toutes proportions gradées, j’ai pas envie d’être un Van Gogh du rap. J’ai pas envie d’attendre de disparaître pour avoir la reconnaissance. Ce n’est pas une question d’âge. Je n’arrêterai que si à un moment donné tout ça n’a plus de sens à mes yeux. Enfin, tu sais que plus tu avances dans la musique, plus tu sais que l’écart se creuse. La découverte dans le domaine de la musique c’est un territoire infini. Énormément de choses ont déjà été faites, mais il en reste autant à faire, même plus. Et j’en ai vraiment envie.

A : Le mot de la fin, quelque chose à ajouter ?

K : Oui, mais tu vas me laisser dix minutes parce que je ne sais pas si tu l’as remarqué mais le mot de la fin tu ne l’as jamais pendant l’interview mais une fois qu’elle est terminée. Tu te dis : merde j’aurais dû dire ça ! [rires]

[NDLR : La discussion suit son cours. Le petit et vieux dictaphone est éteint. Un quart d’heure après, le mot de la fin arrive, comme prévu.]

K : Voilà le mot de la fin ! [rires] Ça va être : à suivre. Tout ça ce n’est que le début de l’aventure.

Abcdr : Comment as-tu débuté dans le Hip-Hop ? Directement par le rap ?

Kohndo : Non, en fait j’ai commencé en 1987 par le beat boxing. J’adorais vraiment le beat-boxing, et j’ai commencé en écoutant des trucs comme le ‘Rock it’ de Herbie Hancock, après les trucs comme ‘Break Dance’. Puis, un jour je suis tombé sur les Fat Boys, qui faisaient beaucoup de beat box, et j’étais dingue de ça. J’ai aussi beaucoup écouté Doug E Fresh, puis j’ai chopé Here is the DJ, I am the rapper, l’album de Jazzy Jeff & Fresh Prince. Là, j’étais très intéressé par le scratch, et il y avait tout un vinyl avec du scratch. Après je suis venu au rap, parce que j’aimais aussi les morceaux, et le cousin de l’un de mes meilleurs potes, Egosyst, habitait un étage en dessous de chez moi, et il s’avérait que ce gars c’était Zoxea. Lui et moi on est Béninois, et on se connaissait. Lui m’a fait découvrir des trucs comme Public Enemy et pas mal d’autres choses. Après de là, ça a commencé à s’étendre de plus en plus. Je suis passé au stylo, environ un an après avoir écouté les premiers morceaux d’Eric B. & Rakim. Je voulais rimer parce que je connaissais d’autres personnes qui rimaient, et qui le faisaient bien. Je trouvais que c’était à ma portée, donc je me suis lancé. J’avais pas mal d’imagination, et je me suis mis à écrire.

A : Par quel biais tu-as rejoint La Cliqua ? Via Egosyst donc ?

K : J’ai rejoint La Cliqua via mon groupe d’origine, Le Coup d’État Phonique. Le Coup d’État Phonique regroupait Egoysyt, Lumumba, Raphaël et moi. Nous, on était une filiation de ce qui était à l’époque Sages Po’. On s’était émancipé et on avait commencé à faire le tour des radios. Puis, lors d’une tournée on a rencontré Daddy Lord C et La Cliqua (l’entité La Cliqua à cette époque était pas encore définie). Et il s’est passé une alchimie très forte entre Chimiste, Daddy Lord C et Egosyst. Moi, j’étais plus en retrait. Mais, je comprenais le style de Daddy, et lui le mien. On a du coup commencé à se voir plus souvent, et il s’est avéré qu’il y’avait un mec qui rappait avec le DJ de Daddy Lord C. Ce gars s’appelait Rocca, et il a rejoint le groupe quelques semaines après.

A : On regarde aujourd’hui ces années 1994-95 comme la période dorée du rap français, avec l’émergence de nouveaux talents, parmi lesquels La Cliqua, Time Bomb… quel regard portes-tu aujourd’hui sur cette époque ?

K : Personnellement j’étais beaucoup plus axé rap américain, mais oui, c’était une grande époque ; après en attendant pour moi ça ne devait être que les prémices. Cette période c’était un bon état d’esprit, beaucoup de mélanges, beaucoup de dialogues entre les gens qui étaient dans le rap. On était tellement peu à le faire, qu’on se reconnaissait et les échanges se faisaient plus facilement. Il n’y avait pas encore de carcan imposé, et l’esprit était plus créatif. Oui, j’aimais vraiment bien cette époque. Mais, personnellement, je me réalise beaucoup plus aujourd’hui qu’avant. C’était une étape nécessaire, mais qui était vraiment lié à l’adolescence. Alors qu’aujourd’hui, je suis dans un stade plus adulte de mon art. A cette époque là, je n’avais même pas une vision artistique, j’avais juste un état d’esprit, une énergie. Dans l’ensemble, le quotidien, je préfère mille fois les années 1998.

A : Avec un peu de recul, et au vu du potentiel existant notamment au sein de La Cliqua, on nourrit quand même un peu le regret de ne pas avoir vu sortir un véritable album, avec une équipe au complet…

K : Oui quelque chose qui aurait suivi Conçu pour durer mais je ne sais pas si vous avez remarqué mais le titre « Conçu pour durer », indique que c’est cet album qui a été conçu pour durer, pas La Cliqua, sinon ça aurait conçue. Je ne sais pas si c’était significatif, mais aujourd’hui on va beaucoup m’en parler. Après, oui, on aurait tous aimé donner une suite à Conçu pour durer. Ce EP c’était vraiment un moment de magie. Après, on a été rattrapé la sphère médiatique, et celle des affaires. On a perdu une pureté, on s’est peut-être pris au sérieux, et on a pas développé le style que chacun avait commencé à mettre en place. De Conçu pour Durer à Le Vrai Hip-Hop, il y a eu un vrai changement au niveau du phrasé. Le Vrai Hip Hop pour moi, c’était les bases de beaucoup de morceaux d’aujourd’hui, par rapport à l’approche rythmique, au grain. Au niveau des productions, c’était des trucs assez lourds, y’avait rien à dire, on avait une équipe béton. Par rapport au coté sombre et rue du Hip-Hop, c’est un truc qui a vraiment été ramené avec Le Vrai Hip Hop et les différents albums qui ont suivi, plus que sur Conçu pour durer. Conçu pour durer c’était une démonstration de style, avec ce coté freestyle, car tout était loin d’être calculé.